Lengua y Literatura. IES Cisneros de Alcalá

PRINCIPALES MANIFESTACIONES 
LITERARIAS DE LA EDAD MEDIA
S. XI-XIV

POESÍA	LÍRICA	POPULAR	-          Jarchas mozárabes (s. XI-XII) -          Cantigas de amigo gallego-portuguesas (s. XIII-XIV) -          Villancicos y canciones castellanas (s. XIV-XV)
		CULTA	-          Lírica gallego portuguesa (s. XIII- XV) -          Poesía trovadoresca. (s. XII- XIV).			-          Canciones de amigo -          Canciones de escarnio y maldecir
						- Cançó catalana provenzal
	NARRATIVA	POPULAR	-          Mester de juglaría		-          Cantares de gesta, hoy perdidos (s. XII-XIV) -          Cantar de Mio Cid ( s. XIII), dividido en Cantar del destierro, Cantar de las bodas y Cantar de la afrenta de Corpes
		CULTA	-          Mester de clerecía		-          S. XIII. Gonzalo de Berceo, Milagros de Nuestra Señora -          S. XIV. Juan Ruiz, Arcipreste de Hita, Libro de buen amor
PROSA	NO LITERARIA	S. XIII. Alfonso X el Sabio		- Histórica: General Estoria; Crónica General - Jurídica: Las siete partidas - Científica: Lapidario - Lúdica: Libro de Ajedrez
	LITERARIA NARRATIVA	S. XIV. Don Juan Manuel		- El Conde Lucanor. Prosa con intención didáctica. Es una colección de cuentos al uso de la Edad Media
TEATRO	RELIGIOSO	-          Tropos (breves textos en latín sobre la vida de Jesús) -          Auto de los Reyes Magos (s. XII)

PUEDES UTILIZAR UN ESQUEMA DE ESTE TIPO:

1. El teatro tradicional.
Teatro poético.
Teatro cómico.
El teatro de Benavente.
2. El teatro innovador
El teatro del 98.
El teatro del 27.



[INTRODUCCIÓN]

La escena española tiene poco que ofrecer a la cultura europea en los primeros años del siglo XX. El teatro español se resistía a las tendencias experimentales que se daban en Europa durante esta época. Aunque hubo autores como Valle-Inclán o Unamuno que se adelantaron a su época, chocaron con un público que no admitió su tipo de teatro por lo que sus innovaciones tuvieron escasa o nula trascendencia. Carlos Arniches y Jacinto Benavente son los autores representativos del teatro comercial que, por otro lado, tenía una gran vitalidad.


[DESARROLLO]

Dentro del teatro tradicional hay un teatro poético escrito en verso especializado en temas históricos y cuyos representantes máximos son Eduardo Marquina y Francisco Villaespesa. Carlos Arniches es el autor más representativo del teatro cómico. Se hizo famoso por sus sainetes de ambiente castizo madrileño como ¡Que viene mi marido! y por sus tragedias grotescas como La señorita de Trévelez. El teatro de Jacinto Benavente es un teatro realista y comedido. Fue el autor preferido de la burguesía desde su primera obra Gente conocida, hasta las últimas como Titania. Su teatro se caracteriza por la ausencia de conflictos grave y por ejercer una crítica muy suave. Los intereses creados es su obra más famosa. Dentro de los intentos de renovación teatral hay que citar a Unamuno que utilizó el teatro como método de conocimiento por medio de unos extraños dramas esquemáticos a los que llamó drumas como El otro o Soledad y a Azorín con un teatro antirrealista, y sin conflictos como en Old Spain. Valle-Inclán es la máxima figura del teatro español del siglo XX. Empezó a escribir teatro en 1905 y durante 20 años fue su principal ocupación. Para él, el teatro es un espectáculo total, usa técnicas cinematográficas y experimenta constantemente. Expresa su repulsa ante la sociedad contemporánea de dos maneras, o mediante la evasión artificiosa o con el sarcasmo más mordaz. Su primer teatro es de tipo modernista: El Marqués de Bradomín. Después de la etapa intermedia del ciclo mítico formada por las Comedias bárbaras y Divinas Palabras, en la que utiliza Galicia como fondo para dar una visión del mundo en el que las fuerzas del mal y la destrucción rigen la existencia de los hombres, llegamos a la creación genial de Valle, el esperpento, una visión grotesca, deformada de la realidad que le sirve como reflejo de la época que le tocó vivir Luces de Bohemia, la obra en la que nos cuenta las últimas horas de un poeta pobre y ciego, Max Estrella en una noche de invierno madrileño, en el ambiente habitual de violencia y caos es su obra más representativa.


[CONCLUSIÓN]

Con la llegada de la Segunda República en 1931 y el apoyo decidido que prestó al teatro a través de Las Misiones Pedagógicas, o de La Barraca de Federico García Lorca, el teatro vanguardista de Pedro Salinas, Rafael Alberti, Miguel Hernández, Max Aub, o del propio Lorca, tuvo lugar para desarrollarse. El teatro de Lorca es el más importante de su generación. Empieza por un teatro de tipo poético en Mariana Pineda, pasa por la fase vanguardista de Así que pasen cinco años, y termina con las grandes tragedias de la última etapa, caracterizadas por el sentido social, el ansía de libertad, de justicia y de realización personal. Sus tres grandes tragedias llamadas por él la Trilogía dramática de la vida española son Bodas de Sangre, Yerma, y sobre todo su obra maestra La casa de Bernarda Alba, escrita en 1936.

5. Retrato de una sociedad en crisis
La obra es una magnifica pintura social de la época, con dos esferas contrapuestas; el mundo burgués, refinado, y el mundo desordenado y amoral de los criados y Celestina. Unos y otros conviven siguiendo sus propios intereses, unidos por las bajas pasiones, comunes a todos.
La Celestina muestra la transformación de la sociedad em el paso de la Edad Media al Renacimiento.
-          Se establecen nuevas relaciones entre los distintos estratos sociales: la burguesía ha alcanzado a la nobleza y el prestigio no se fundamenta en el linaje de la sangre sino en el dinero.
-          Los lazos afectivos entre criados y señores han desaparecido y su relación está teñida de un marcado carácter comercial. La codicia despierta un gran resentimiento hacia los señores.
-          Existe un nuevo código moral en donde el dinero es el único modo de pago
-          Se fometa el individualismo, el anhelo de libertad, el pragmatismo orientado al propio provecho y el afán de lucro.

6. Estilo y lenguaje
Es de una gran variedad y riqueza expresiva. En el confluyen dos registros idiomáticos:
-          Culto, ampuloso, retórico, plagado de paralelismos, expresiones latinizantes, hipérboles, antítesis, referencias históricas, bíblicas, mitológicas.
-          Coloquial, expresivo, agudo, plagado de refranes.
Los personajes emplean uno u otro registro dependiendo de la situación comunicativa y de la posición social; por ejemplo, Celestina cuida su lenguaje en presencia de los señores y pronuncia sentencias y refranes en presencia de criados y rufianes.
El diálogo es la forma de expresión más utilizada, a veces a través de largos periodos y otras al más puro estilo conversacional.
También aparecen monólogos para manifestar la vida interior de los personajes, sus pensamientos y emociones, como por ejemplo Pleberio en su parlamento final tras la muerte de Melibea,

7. Propósito de la obra
Según afirma en los preliminares, la obra fue escrita como aviso a los enamorados, que se dejan llevar por sus pasiones más carnales hasta que son conducidos a un final trágico, dejando de lado aspectos relacionados con el alma y los sentimientos. Además es una advertencia contra las tratas de las alcahuetas y de los malos sirvientes.
Fernando de Rojas pone al descubierto los vicios y deformidades de la sociedad de la época.

Junto con el Quijote es una de las obras más representativas de la literatura española. Se publica en Burgos en 1499 y su autor es Fernando de Rojas, un judío converso nacido en la Puebla de Montalbán (Toledo)
En una primera versión, la obra consta de dieciséis actos y se titula Comedia de Calisto y Melibea. Posteriormente en 1502 aparece una segunda versión, esta vez con veintiún actos, titulada Tragicomedia de Calisto y Melibea. En los preliminares del libro podemos leer que fue Fernando de Rojas el que  encontró el manuscrito del primer acto y le dio continuidad.
La obra presenta grandes problemas en cuanto a la delimitación del género literario al que pertenece: carece de narrador y es una obra dialogada, lo que favorece su inclusión en el género dramático, pero su extensión y las dificultades para su puesta en escena hacen que algunos críticos se inclinen por considerarla una novela dialogada.
La mayor parte de los estudios la sitúan dentro de un subgénero dramático o, al menos, muy influido por él: la comedia humanística, creada por Tetrarca en el siglo XIV y destinada a la lectura. Sus características son; trama sencilla, temática amorosa con la participación de terceros, pintura realista de ambientes, lenguaje culto y artificioso y libertad en el tratamiento del tiempo y del espacio. La Celestina cumple todos estos rasgos, pero se diferencia de la comedia humanística en que está escrita en castellano, y no en latín e incorpora, además del culto, el lenguaje coloquial, aportando, por otro lado, un final trágico.


2. Resumen del argumento
El joven Calisto se enamora de Melibea. Ante el rechazo inicial de la doncella, contrata a una vieja alcahueta, Celestina, que con la ayuda de los criados, Pármeno y Sempronio, consigue la entrega amorosa de la joven. Cegada por la codicia, Celestina se niega a compartir con sus cómplices la recompensa y es asesinada por ellos, que más tarde serán ahorcados por su delito.
Los jóvenes amantes se entregan a su pasión amorosa hasta que una caída accidental de Calisto termina con su vida. Melibea, desesperada, se suicida.


3. Temas
Los principales temas que trata La Celestina son éstos:
-          El amor se muestra como una pasión incontrolada que ciega a los amante y los conduce a un final trágico. Para hablar de este amor Calisto emplea un lenguaje retórico
-          La codicia es otra pasión incontrolable que nubla el entendimiento. Se aprecia en casi todos los personajes.
-          La fortuna aparece, como en la poesía, como un azar ciego y arbitrario, responsable de todas las tragedias humanas
-          La magia es utilizada por Celestina para despertar la pasión amorosa de Melibea. La sociedad de la época creía en las fuerzas ocultas de la naturaleza y también en la magia.
-          El paso del tiempo, del que son conscientes los personajes, les empuja al goce desenfrenado del presente.
-          La muerte carece del significado trascendente  que le dio Jorge Manrique. Es un mero final de la vida, resultado de una serie de causas encadenadas entre las que se cuenta la conducta desordenada de unos personajes que no respetan las normas sociales ni morales. En este tratamiento del tema podemos descubrir un propósito moral por parte del autor de La Celestina

4. Personajes
Fernando de Rojas crea en la obra una serie de personajes individualizados y con vida propia que aparecen separados en dos niveles sociales diferenciados.
-          Clase social noble y burguesa
A ella pertenecen los enamorados de la obra, jóvenes entregados a la pasión y al ocio.
• Calisto, melancólico unas veces, exaltado otras, es inseguro, indolente con los criados, egoísta y amoral. Su único fin es la posesión amorosa de Melibea para lo que transgredí todo tipo de normas morales y sociales. Muere en la segunda parte de la obra, en un tonto accidente, víctima de sus propias pasiones.
• Melibea que primero rechaza a Calisto y luego se entrega a la pasión amorosa, es audaz, apasionada, arrogante con celestina y la servidumbre y mentirosa ante sus padres para ocultar sus sentimientos. A lo largo de la obra evoluciona, pero se muestra enérgica y valiente; es una mujer llena de feminidad que se sale del canon real de la mujer medieval y renacentista, destaca por un espíritu de independencia y de autoafirmación que le conducirán al suicidio al final de la obra.
• Pleberio, padre de Melibea, adinerado burgués, amante padre y liberal con su hija. Es partidario de que Melibea escoja a su marido futuro.
• Alisa, madre de Melibea, severa y conservadora. Mantiene un enfrentamiento constante con su hija.
-          Clase social trabajadora.: los criados
• Lucrecia, criada de Melibea. Recelosa ante Celestina y desobediente con sus amos. Envidia la relación amorosa de su señora
• Sempronio y Pármeno están vinculados a su señor Calisto por el dinero, no les mueven lazos afectivos como a los criados medievales; son falsos, desleales, cobardes y violentos y tan sólo les guía el interés y la lujuria. Tras su muerte serán sustituidos por Tristán y Sosia.
• Elicia y Areusa, Buscan el propio beneficio y muestran su rebeldía ante la clase social dominante, Detestan a Melibea. Ambas mantienen una relación sentimental con Sempronio y Pármeno, respectivamente
• Celestina, en medio de todos y que pone en conexión a estos dos mundos. Tiene su antecedente inmediato en la vieja Trotaconventos del Libro de buen amor. Se ha convertido en prototipo de un personaje universal: la alcahueta, medianera entre los amores de Calisto y Melibea. Dominada por la codicia, su único objetivo es conseguir beneficios. Es un personaje perspicaz, astuto, capaz de improvisar, maestra en manejar a las personas y en conseguir lo que quiere; posee  el arte de la seducción y del engaño, la habilidad para halagar y el don de la elocuencia. No goza de buena reputación aunque es muy requerida al ser capaz de realizar filtros y conjuros.

Evolución de los cantares de gesta españoles

Los cantares de gesta que viven su época e plenitud desde 1140 hasta mediados del XIII, sufren un proceso de transformación en los siglos posteriores.
Desde mediados del sigo XIII hasta bien entrada la segunda mitad del XIV continuaron su proceso de transmisión oral  en permanente cambio, quedando abandonados muchos de ellos al perderse en la memoria de los receptores.
Sin embargo, en esa misma época los cronistas que escribían las historias de reinados pasados se sirvieron de ellos como fuentes de información histórica.
Los cantares de gesta aparecen, por tanto, escritos en prosa en las crónicas medievales. Así, aunque perdidos en la transmisión oral, sabemos que existieron y de qué trataban.
Su decadencia se produce años después, en un periodo que va desde el último tercio del XIV hasta fines del XV.
Es entonces cuando los grandes poemas dejan de interesar por su gran longitud. Los juglares ya recitan sólo aquellos fragmentos preferidos por sus oyentes y poco a poco los viejos cantares se van fragmentando al repetirse únicamente una y otra vez las partes que más interesaban.
Aparecen de esta manera los romances, descendientes muchos de ellos de los cantares de gesta, pero más cortos, en los que se incorporan ya otros temas, estilos e intenciones.

Métrica de los cantares de gesta

Los poemas épicos se construían a base de series de un número indeterminado de versos monorrimos (una sola rima). Las series, llamadas tiradas, se sucedían una tras otra, cada una con rima distinta. Las rimas eran siempre asonantes y los versos no tenían una medida regular. Tendían a una estructura de versos de dieciséis sílabas organizadas en dos grupos de ocho compuestos, por tanto, por dos hemistiquios con una pausa o cesura intermedia. En realidad, la medida de los versos oscila entre las diez y las veinte sílabas, y la cesura no siempre coincide con la mitad del verso.

El estilo épico oral

El estilo de los cantares de gesta posee una serie de rasgos peculiares motivados por su carácter oral:
-          Uso de epítetos épicos: “el que en buen hora nació”, aplicado al Cid. Son fórmulas fijas que destacan un rasgo del personaje para identificarlo y le acompañan siempre. Se usan de forma ritual, aplicados siempre a la misma persona.
-          Diálogos y utilización del estilo directo. Su inserción aportaba cercanía y realismo a los personajes y dramatizaba la recitación.
-          Llamadas de atención a los oyentes para implicarlos en la historia: “bien oiréis lo que dirá”
-          Invocaciones al cielo: “Grado a Dios Padre, que estás en lo alto”
-          Uso de expresiones deícticas o señaladotas para ayudar a visualizar las escenas remitiendo al contexto: “Allí vierais tantas lanzas”
-          Uso de paralelismos en las enumeraciones descriptivas
-          Parejas de palabras o de elementos sintácticos: “muy fuertes y duras son”
-          Uso variado y libre de los tiempos verbales: el juglar alterna el pretérito perfecto simple propio de la narración con verbos en presente que le sirven para hacer más gráfica y cercana la acción que está contando.


Los ciclos de la épica castellana

Además del Cantar de Mio Cid, hubo otros poemas épicos en nuestra literatura, aunque muy pocos se han conservado por su transmisión oral.
Tenemos noticia de algunos de forma indirecta, gracias a relatos en prosa. De otros conservamos un pequeño número de versos: Cantar de Sancho II y el cerco de Zamora, Cantar de los siete infantes de Lara, Cantar de Roncesvalles, Cantar de la campana de Huesca…
El último poema épico español es el Cantar de las mocedades de Rodrigo, del siglo XIV.

El mester de juglaría
En la misma época en que el pueblo medieval está creando su folclore, va poco a poco identificando a sus héroes. Sus hazañas son escuchadas en boca los mismos juglares que recorrían las plazas cantando y recitando las pequeñas cancioncillas líricas.
La poesía épica, a diferencia de la lírica, no surge del pueblo de manera espontánea. Se adecua más al mundo de los caballeros y representan fielmente sus gustos y maneras de entender la vida.


Los poemas épicos o cantares de gesta
Los cantares de gesta son poemas tradicionales compuestos para ser cantados o recitados con acompañamiento musical., son, por tanto, anónimos. Narran historias épicas, las grandes gestas de  de épocas pasadas y acompañan al despertar de la conciencia nacional de los pueblos; por eso los héroes se hicieron pronto populares, porque el pueblo se identificó con ellos enseguida.
Tal como hoy los conocemos, los cantares de gesta surgieron en Francia en el siglo XI. En ellos se distinguen dos grupos temáticos: uno sobre Carlomagno y los doce pares de Francia y el otro de la llamada “materia de Bretaña”: la leyenda del rey Arturo y los caballeros de la mesa redonda. El cantar de gesta francés más conocido es La canción de Roldán, perteneciente al primer grupo y que narra la muerte del héroe en la batalla de Roncesvalles.


El oficio de juglar
El mester de juglaría es  el “menester”, el oficio de juglar, el de quien recorría calles y plazas divirtiendo a la gente con sus habilidades y con la recitación de historias. Entre ellas ocupaban una parte sustancial los cantares de gesta o poemas épicos. Esta escuela de juglares surge en el siglo XII y se prolonga durante el XIII, hasta el siglo XIV.

El Cantar de Mio Cid

El Cantar de Mio Cid es el gran poema épico español, el más importante y extenso, el más antiguo de los conservados y el único que ha llegado hasta nosotros casi completo.
Algunas investigaciones sitúan la fecha de composición hacia finales del XII o principios del XIII; otras la sitúan en torno a 1140. El texto conservado es de fecha posterior, de 1207, cuando un tal Per Abbat puso por escrito lo que durante años se había transmitido de boca en boca. Gracias a él hoy en día conocemos el texto, pues seguramente se hubiera perdido como los demás poemas épicos de la península. El manuscrito que hoy conservamos es una transcripción de la copia de Per Abbat y data del siglo XIV.

Autoría

El Cantar es de autor anónimo. Según muchos estudiosos se advierte la mano de dos juglares de tierras de Soria: uno de San Esteban de Gormaz y otro de Medinaceli.
El primero compuso sus versos hacia 1120, poco después de la muerte del personaje histórico del Cid (1099). Escribió las dos primeras partes de en que se divide el poema. Es el autor de la idea y del plan general de la obra. Presenta al personaje y sus hazañas de forma heroica, magnificándolo. Sin embargo, es más realista, menos fantasioso que el otro juglar. Es lógico que fuera así, ya que en el momento de componer su obra todavía estaba reciente el recuerdo del Cid, personaje histórico, así que él sólo tenía que cantar las hazañas que muchos recordaban.
El segundo juglar, el de Medinaceli, reformó el poema y añadió un tercer cantar años después, hacia 1140, cuando el Cid literario empezaba a ser más real para la gente que el Cid histórico. A él se le atribuyen los rasgos más novelescos pues inventó sucesos irreales y exageró las bondades del héroe y la maldad de sus enemigos.

Argumento y estructura

El texto exalta la figura del héroe castellano Rodrigo Díaz de Vivar. Su unidad argumental se estructura en tres partes o cantares:
-          Cantar del destierro: comienza con la salida del Cid de Vivar, desterrado por Alfonso VI y la despedida de su mujer y sus dos hijas. En su destierro se le van uniendo caballeros. Gana varias batallas a los árabes y hace prisionero al conde de Barcelona. Tras cada victoria, el Cid envía al rey regalos con el fin de ser perdonado, mientras el guerrero se va enriqueciendo con los botines de guerra.
-          Cantar de las bodas: el Cid conquista Valencia y consigue el perdón de Alfonso VI, quien, además, le pide que case a sus hijas con los infantes de Carrión. El Cid recela de este casamiento, pero al final lo consiente. Acaba con una referencia a los dos años que pasa con los infantes de Valencia.
-          Cantar de la afrenta de Corpes: el poema entra aquí en su parte más novelesca y fantasiosa. Comienza mostrando la cobardía de los infantes y las burlas que éstos reciben por parte de los hombres del Cid; por ello deciden vengarse. Emprenden la vuelta a Carrión y en el robledal de Corpes azotan y abandonan a sus esposas. Ante esta afrenta, el Cid pide justicia al rey, quien convoca cortes en Toledo para juzgar a los infantes. Vencidos estos en duelo por los hombres del Cid, termina el Cantar con el nuevo casamiento de sus hijas, esta vez con los infantes de Navarra y Aragón. Esto supone el gran triunfo del Cid, quien no sólo recupera la honra perdida, gracias a su conducta ejemplar y su comportamiento heroico, sino que también queda emparentado con las familias reales más prestigiosas de la Península


Temas

Se desarrolla en el texto dos temas fundamentales: de un lado la lucha del Cid, guerrero y vasallo, para sobrevivir, conquistar honores y recuperar el favor real; del otro, el esfuerzo del héroe, padre y esposo, para proporcionar a los suyos una posición desahogada y un futuro honorable. El afán del Cid por el cumplimiento de estos dos objetivos vertebra el entramado del relato y confiere sentido a las acciones y diálogos que va desgranado el juglar.